Los Girasoles

Hay piezas de arte que van sin rumbo a través de galerías alrededor del mundo que son sinónimos con los nombres y las técnicas de los artistas que las crean. Las varias pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh son ejemplos perfectos. No sólo puede hacer una conexión mental entre el nombre del artista y la pintura pero también entre el artista y su influencia en el desarrollo de arte a través de estas pinturas. Las pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh han sido duplicadas muchas veces por varios artistas (aunque sin la vivacidad y intensidad de Van Gogh) y expuestas en todas partes; de las casas a las exposiciones de arte.

Cuando uno mira a estas pinturas, empieza a notar los aspectos que parecen fluir de una pieza a la otra. Los colores son vibrantes y expresan emociones que son asociadas con la vida de los girasoles: de amarillos brillantes en las flores a morenos áridos de mustio y muerte; todas las etapas son presentadas. Quizás esta técnica sea lo que atrae a alguien a la pintura; el cumplimiento de mirar a todos los ángulos del espectro de la vida y, de uno en uno, llega más profundo a un entendimiento de cómo son conectadas todas las cosas vivientes.

Hay muchas piezas en esta serie de pinturas (cada una es claramente identificable como una obra de Van Gogh) en el cual hay solamente diferencias menores que las separan. El diseño general de la pintura con la posición de los girasoles reales permanece usualmente el mismo en las pinturas similares. Usted puede ver las áreas destacadas entre las dos pinturas similares de los girasoles más abajo.

A la izquierda puede ver dos pinturas de girasoles de la serie del mismo título; sin embargo, estas dos piezas tienen algunas diferencias menores.

1. ; Hay diferencias en la estructura del pétalo en algunas de las flores. En la ampolla número uno puede ver que la segunda pieza tiene más pétalos "masa" y no sigue el movimiento amplio "V" de la primera pieza.

2. ; El "ojo" central de la flor contiene colores diferentes. En el primero ejemplo el centro está lleno de amarillo verdoso, mientras que en la segunda pieza el centro está lleno de negro.

3. ; Es también el caso para la ampolla número tres. La estructura frondosa es amarilla en la primera pieza y reside en la segunda pieza como un castaño claro.

4. ; La hoja localizada en la ampolla número cuatro es casi idéntica en ambas piezas; sin embargo en la primera pieza está montada una sobre otra por la flor grande y caída y es verde en color. En la segunda pieza hay un espacio pequeño pero claro entre la flor caída y la hoja, y la hoja es de color negro.

Aunque las pinturas de girasoles de Van Gogh son muy similares en muchos aspectos, cada una se destaca como su propia obra de arte. Van Gogh empezó a pintar los girasoles después de salir de Holanda para Francia en busqueda de crear una comunidad de arte. Los primeros girasoles fueron creados para decorar el dormitorio de su amigo Paul Gauguin . La mayoría de los girasoles en jarrones de Van Gogh fueron creados en Arles, Francia, durante 1888-1889. Van Gogh creó algunas pinturas de girasoles antes de este etapa en París, Francia, alrededor del 1887. Esta serie es compuesta de recortes de girasoles contra los girasoles en jarrones. Puede mirar a un ejemplo de esta serie a la derecha.

"Esta serie de pinturas fue hecha posible por las innovaciones en los pigmentos manufacturados en el siglo 19. Sin la vitalidad de los colores nuevos, como el color amarillo cromado, Van Gogh nunca podría lograr la intensidad de los girasoles. "

Sin embargo, las pinturas de los girasoles por Van Gogh han cambiado la perspectiva de humanidad de arte y vida. Estas pinturas cautivan la mente y dejan estupefacto a alguien en su belleza simplista. Los tallos fluidos y ajados y el arrebato de amarillo bonito captan la audiencia alrededor de la pintura, sin interrumpir la balanza de la pieza. Estas pinturas son duplicadas a menudo, pero nunca llegan al poder puro de Van Gogh.

Van Gogh trabajaba a un ritmo vertiginoso que le costó mucho dinero, le causó muchas tensiones mentales y fisicas que no lo dejó tiempo libre para hacer otras cosas. Pero el era perseverante. En una carta en marzo del 1882, Van Gogh le escribió otra vez a su hermano Theo,

“Aunque me encuentro en dificultades económicas, no obstante tengo el sentimiento que no hay nada más sólido que una artesanía, en el sentido literal, usando mis propias manos. Si fueras pintor, una de las cosas que te sorprendería es que la pintura, y todo conectado a ella, es un trabajo muy difícil en terminos de condicion física. Aparte del agotamiento mental y el pensamiento critico, exige mucha fuerza física , y eso, día tras día.”

En las mismas cartas de 1882, Van Gogh escribió, “Hay dos maneras de pensar sobre la pintura, cómo hacerla y cómo no hacerla: cómo hacerla - con mucho dibujo y poco color; cómo no hacerla - con mucho color y poco dibujo.

Van Gogh Los girasoles

Van Gogh creía con firmeza que para ser un gran pintor, uno tenía que aprender a dibujar antes de añadir color. Durante los años Van Gogh llegó a dominar claramente el dibujar y empezó a usar más color. En cierto tiempo, uno de los aspectos más reconocidos de las pinturas de Van Gogh era el uso atrevido de color.

Más o menos un año antes de su muerte, Van Gogh predijo que sería un gran “pintor del futuro,” quién sabría cómo usar sin parangón el color y sería el futuro de la pintura. Expresó esta idea en una carta a su hermano Theo en mayo de 1888,“Yo debo continuar trabajando, y en algun momento mi trabajo probará que tiene valor duradero – pero quién estará allí a lograr la figura de la pintura como ha logrado Claude Monet con el paisaje? Sin embargo, tiene que sentirse, como yo lo siento, alguien así está en camino - ¿Rodin? - no usa color – no será él. Pero el pintor del futuro será un colorista que no se podrá comparar con nadie que alla existido.

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La Creación de Adán

La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre. Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.

Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en un estable triángulo de tierra. El nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra.

La inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator Spiritus, en el que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) dé a los fieles amor y corazón.

La escena, que se sitúa en el centro de la techumbre, representa a Dios como un hombre anciano barbado -sabiduría y experiencia- envuelto en una túnica de color púrpura y rodeado de querubines, mientras con el brazo izquierdo rodea a una figura femenina desnuda, identificada como Eva, y que espera en el reino de los cielos el momento de ser creada por el todopoderoso.

Con el brazo derecho Dios se dispone a crear al primer hombre, Adán, que surge de los dedos de la mano del creador. La mínima separación de ambas extremidades es el recurso que utilizó Miguel Ángel para representar esa inmediatez y el hecho de que uno surge de la mano del otro.

Para diferenciar ambos personajes se sirve del contexto en el que los representa: a Dios entre nubes y querubines, simbolizando el cielo, y a Adán recostado en un pedazo de tierra. Las expresiones de ambos personajes representan su posición. Adán con un rostro que expresa asombro y obediencia y el de Dios sereno y autoritario.

La figura de Dios representa un claro movimiento y dinamismo, en un pronunciado escorzo lateral junto a los ángeles que lo soportan y que en un aparente desorden sus rostros, realistas y bastante expresivos, muestran un cierto esfuerzo por sostenerle.

Algunos estudiosos han querido ver en esta escena una representación de distintas partes anatómicas del ser humano, como el corte anatómico del cerebro que se representa en la túnica púrpura que envuelve a Dios y los querubines.

Para otros autores se trataría de una representación relacionada con un alumbramiento humano y el manto rojo representa un útero humano. La bufanda verde que cuelga de él representaría el cordón umbilical.

Más allá de estas teorías y similitudes, lo cierto es que el estudio de la anatomía humana que hizo Miguel Ángel es una demostración de la capacidad del genio Florentino para representar el cuerpo humano de forma y manera que aunque sea visto desde 20 metros más abajo, el resultado sea perfecto.

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El Guernica

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la Segunda República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado la dictadura militar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

Su interpretación en profundidad es objeto de controversia, ya que varias figuras son simbólicas y suscitan opiniones dispares; pero su valor artístico está fuera de discusión. No solo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 m de alto por 7,80 m de largo.1 A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española.2 No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico.3 Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara.4 Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.4

En el cuadro aparecen representados doce símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse impasible ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad".5 Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.6 y junto con la mujer con niño muerto sería, según A. Visedo, la imagen en espejo de Velázquez con Agustina Sarmiento de Las meninas.

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietà",7 esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco pero para A. Visedo se trata de la República huyendo de Madrid hacia fuera del lienzo (hacia Valencia) al tiempo que se dirige al toro, Picasso, en demanda de ayuda (ayuda en forma de propaganda participando en la Feria de París).

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegoría de la Música, una de las Artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid. En los bocetos fechados en abril, la música, estaba representada por una oreja.

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando que es una talla rota, es decir, otra de las Artes destruida por los rebeldes, la Escultura.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba.[cita requerida] Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas.[cita requerida] El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un sol; para A. Visedo es un guiño al título de la Exposición (de las Artes, en la vida Moderna); el sol es Pegaso, el caballito alado que vimos salir de la herida del costado del caballo-yegua, convertido en Constelación (Pegaso) representando el Arte puesto a salvo.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso. Según la versión de A. Visedo, Pegaso representa el Arte; Picasso cuenta en el lienzo que las obras de Arte que contenía la Pinacoteca del Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid. Esta yegua, con el quinqué y la Constelación Pegaso, forma un trío que recuerda a La Trinidad del Greco, aunque en espejo.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta.[cita requerida] Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre.[cita requerida] La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Ella lleva un ridículo tocado y en retoques previos Picasso la pintó llorando, tal como representaba siempre a Dora Maar, su amante.

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.8 Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. No obstante recuerda a Mª Teresa Walter en "mujer con vaso", una de las esculturas que Picasso cedió para ser expuestas en el Pabellón de París.

Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas, la Arquitectura.

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid. Es la forma artística de decir «basta de guerras». En opinión de A. Visedo esta figura tiene pecho femenino, salta, vuela o danza con las alas ovaladas que tiene a ambos lados. Para este autor representa a Olga Khokhlova, bailarina del ballet ruso, su esposa, a quien quema «para olvidarla» y a quien en los momentos iniciales del mural la dispuso sobre una pira de leña. Al destruirla quemándola también está representando la destrucción de la Danza (otra de las Artes) por los sublevados.

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá. La flecha es considerada por otros, símbolo de la guerra; de ésta guerra.

La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae desde él, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su hijo muerto, en símbolo del horror de la guerra moderna. Picasso no deja de hablarnos, en su obra, de sí mismo y de sus circunstancias y aquí no podía ser distinto. Se ha retratado como Velázquez en un lateral y ha colocado a las tres mujeres con las que actualmente tiene algún tipo de relación en este escenario: a Mª T. Walter con quinqué (como en Minotauromaquia, su inspiración); a Dora, su actual amante, la mujer que llora, en actitud implorante y a su esposa, Olga, bailarina que le está haciendo la vida imposible, quemada entre los restos del Madrid bombardeado.

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Mejores Tipos De Arte

Como hemos comentado anteriormente, existen diferentes tipos de arte y con ellos se destacaron varios artistas muy famosos como pudieron ser Leonardo Da Vinci, Rembrandt van Rijn, Pablo Picasso, Giotto Di Bondone, entre otros artistas destacados. Lo que llama más la atención de los tipos de arte es que fueron surgiendo durante toda la historia del arte y muchos de ellos se fueron desarrollando y evolucionando hasta los tipos de arte que existen hoy en día. Además las obras de los diferentes estilos de arte que a lo largo de la historia se han ido representando por distintos artistas, hoy en día todavía pueden observarse la gran mayoría de estas obras de arte y sobre todo pueden admirarse

Sin embargo, a la hora de hablar sobre los tipos de arte que existen y que están presentes en la historia del arte, se pueden destacar algunos como son: Arte Abstracto, Arte Sacro, Arte Rupestre, Arte Contemporáneo, Arte Urbano, Arte Surrealista, Arte Óptico, Arte Moderno, Arte Visual, Arte Bizantino, Arte Rococó, Artes Visuales, Arte Azteca, Arte Barroco, entre otros estilos de arte más. Dentro de estos tipos de arte podemos encontrar algunos estilos más “destacados” o por decirlo de otra manera más “famosos” dentro de la historia de arte. Estos tipos de arte son:

Arte Abstracto: el origen de este estilo de arte comienza en 1910 y se crea como una contrariedad al arte figurativo, es por ello que el arte abstracto no necesitará ni representar ni mostrar cualquier objeto o persona ya que intentará usar la lengua visual para crear obras de arte abstractas. El arte abstracto se puede observar en varias disciplinas como pueden ser la Pintura, escultura o lo que hoy en día conocemos como artes gráficas.

Artes Visuales: las artes visuales son una disciplina del arte en la cual podemos observar e introducir varias técnicas del arte plástico tradicional y también se incluyen nuevas formas de representación y expresión. El origen de las artes visuales comienza en el siglo XX.

El arte es una de las expresiones más interesantes del ser humano. Aunque su definición como tal puede ser muy complicada, lo cierto es que a través del arte se transmite generalmente un mensaje que puede ser de distinto tipo o contenido, utilizando para ello ciertas técnicas que pueden ser tanto analógicas, abstractas e incluso “naturales”. Esto quiere decir que por medio del arte se puede representar fielmente el mundo, transformarlo e incluso inventarlo de alguna manera. Los artistas, tal y como lo decíamos, suelen decir algo que se relaciona, por ejemplo, con el amor, la situación concreta de un lugar, algún fenómeno, un discurso político o una postura respecto a algo. La mayoría de las veces se afirma que el arte tiene un código o lenguaje propio, el cual en ocasiones es muy difícil de descifrar.

Evidentemente, el arte implica una actividad creativa o un ejercicio mental especial. Es por ello que muchas veces los artistas son tratados como “genios” o personas con un talento especial, ya que pueden transmitir cosas de una manera muy particular. Para hacer arte se necesita tener cierto conocimiento de su lenguaje y saber utilizar ciertas herramientas, que implican una técnica, para poder crear una obra. Es por ello que la clasificación del arte se puede hacer de manera muy general, ya que en los hechos sus manifestaciones son muy amplias y variadas. Asimismo, la clasificación clásica ha variado, por lo que hoy se puede hablar de ciertas actividades que antiguamente no se consideraban como arte.

Arte Contemporáneo: aunque el arte contemporáneo como concepto fue originado en el siglo XX este estilo de arte es el resultado de la evolución de diversas técnicas usadas siglos atrás. Este tipo de arte se caracteriza por intentar hallar nuevas formas de expresión que no se hayan visto hasta ahora.

Arte Barroco: este tipo de arte es una continuidad de otro estilo artístico llamado manierismo italiano. Es por ello, que el estilo barroco intenta dejar atrás toda aquella influencia de serenidad clásica (que tenían otros estilos de arte en esa época) y empieza a crear y representar obras que contienen una gran agitación de los sentidos ya que al arte barroco destacaba por tener una tendencia a la exageración y la ostentación.

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Tipos De Arte

Tipos de arte Clases y Modelos

Como la gran mayoría sabrá existen diferentes y varios tipos de arte que a lo largo de la Historia del Arte han ido surgiendo. Estos tipos de arte se han ido evolucionando y desarrollando de forma diferente y como consecuencia podemos observar, en la actualidad, más de 40 estilos distintos de arte.Sin embargo, los tipos de arte son una clasificación de todos los estilos que han ido surgiendo, como hemos comentado anteriormente, y por ello se ha de destacar de forma general qué es el arte para entender un poco mejor los tipos de arte que han ido surgiendo.¿Qué es el arte?A la hora de hablar sobre qué es el arte podemos hacerlo de dos formas distintas, una de ellas es hablar sobre la definición de arte y la otra es hablar de forma general sobre lo que es el arte. Definición de arte, resumidamente, diremos que la definición de arte es todo aquel concepto que engloba a una representación o incluso una creación que está realizada por los seres humanos. Como objetivo principal el arte pretende mostrar y expresar una visión sensible y sentimental del mundo. Dependiendo sobre todo de punto de vista del artista dicho mundo puede ser real o imaginario. La representación del arte suele realizarse mediante varios materiales como pueden ser la pintura, el sonido, el mármol, la piedra, entre diversos materiales más. Estos materiales van apareciendo y evolucionando con el tiempo y con los distintas clases de arte que van apareciendo y por ello, también va evolucionando la manera de representarlo y la forma de mostrar dicho arte, es decir, la forma de representar las diferentes ideas, sentimientos, sensaciones y sentimientos.Sin embargo, cuando hablamos de definición de arte hablamos del arte de forma específica pero en cambio cuando hablamos sobre qué es el arte es una manera más general de hablar sobre este término. Para poder comprender mejor lo que es el arte se ha de destacar las distintas expresiones que existen, es decir, las diferentes disciplinas que están dentro del concepto de arte. Hoy en día podemos encontrar varias disciplinas que comprenden el arte, pero en la antigua Grecia estas categorías se resumían en seis disciplinas que eran: la poesía, la danza, la pintura, la literatura, la música, la arquitectura y la escultura.

¿cuantos tipos de arte hay?

El arte es un termino que abarca muchas temáticas y subtematicas, en este weblog encontraras todas o casi todas, aun así queremos explicar las más destacadas que son:

Arquitectura: existen varios tipos de arquitectura, pero a la arquitectura de manera global se le conoce como una disciplina que crea y construye obras de arte basándose en un plano o en un programa. Este tipo de disciplina utiliza varios recursos y medios para realizar las diferentes obras, además también se utilizan una gran variedad de materiales.

Pintura: al igual que en la arquitectura, en la pintura también existen varios tipos de pintura, sin embargo se conoce como pintura a la representación que crea el artista para intentar mostrar, mediante varias técnicas como el dibujo, objetos creados por su imaginación u objetos reales que se ven plasmado en varios materiales como pueden ser la pared o un lienzo, entre otros materiales. Probablemente, la pintura es una de las disciplinas más antiguas que poco a poco fue evolucionando y dio como resultado varios tipos de pintura como por ejemplo puede ser la pintura al fresco, la pintura al óleo, la pintura al pastel, la pintura con acuarelas, la pintura aguada, entre otros tipos.

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El Origen De El Arte En La Prehistoria

A partir del descubrimiento de manifestaciones artísticas que se han conservado desde la prehistoria, del análisis de sus características y la datación de cada pieza, se plantean hipótesis que intentan dar respuesta a las preguntas sobre el origen, la posible utilidad o el significado del arte primitivo.

Cuándo y dónde empieza el arte

El origen del arte se sitúa en el Paleolítico, durante la Edad de Piedra.

Si bien hace unos años estaba extendida la teoría de que el arte surgía a principios del Paleolítico Superior como una producción característica del Homo Sapiens Sapiens hace 40.000 años en Europa, se han encontrado recientemente manifestaciones artísticas mucho más antiguas en otros continentes como África y Australia.

A partir de estos hallazgos se cree que la aparición del arte es un fenómeno universal y se contempla la posibilidad de que el hombre de Neandertal (Homo neanderthalensis) también produjese arte.

Las primeras obras de arte

Estas primeras manifestaciones artísticas no coinciden con la definición actual de qué es arte, sino que son producciones de las llamadas artes y oficios (véase artes aplicadas). El arte por el arte, la creación de obras bellas con función estética y su coleccionismo es un invento moderno con tan solo unos cuantos siglos de antigüedad que no aparece en los pueblos tradicionales.

A grandes rasgos los ejemplos más característicos del comienzo del arte son las pinturas rupestres, las figuras y otros objetos tallados del arte mueble y los monumentos megalíticos.

En la línea del tiempo: El arte en la Edad de Piedra, encontrarás información más detallada con fechas, nombres y lugares de los descubrimientos de obras de arte más antiguas e importantes del Paleolítico y el Neolítico.

Utilidad y significado del arte en la prehistoria

Los expertos están de acuerdo en que el arte de la prehistoria era instrumental y se creaba con unas funciones concretas.

Arte e artistas

Arte pintores

El arte pintura

Obras de arte

Arte contemporaneo. 

La dificultad radica en descubrir cuál el verdadero significado o utilidad pues aunque existen diversas hipótesis sobre el origen del arte (rituales chamánicos, totémicos, simbolismo religioso, magia propiciatoria…), es imposible verificarlas.

Una de las maneras de extraer hipótesis más rigurosas sobre el significado del arte primitivo es encontrar pueblos tradicionales que continúan practicando artes y oficios muy similares a los hallazgos prehistóricos y preguntarles directamente por qué lo hacen. Así se ha podido extrapolar, por ejemplo, que el toro de la Cueva de Altamira tiene las características de una pintura ritual creada por un chaman para apropiarse de la fuerza del animal.

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¿ Donde Nace El Arte ?

Demasiado perfectas para ser obra de hombres primitivos. El hallazgo de Altamira a finales del siglo XIX fue recibido con tanta incredulidad como asombro ante la maestría de aquellos primeros artistas que dejaron su huella en las paredes de las cavernas y en objetos decorados con exquisito naturalismo.

El hallazgo de Altamira fue también el principio de una intensa actividad arqueológica, de un siglo de descubrimientos en el que Cantabria ha ido atesorando una extensa colección que abarca desde el Paleolítico a la Edad Media. Las joyas de ese patrimonio son los piezas de arte mueble paleolítico, especialmente los objetos grabados en hueso y asta del Magdaleniense, su periodo de esplendor, del que el Museo conserva objetos únicos, como los bastones perforados de El Castillo y El Pendo o la falange de uro decorada de La Garma.Son algunos de los objetos que albergará el antiguo Banco de España, un edificio de 1924 proyectado por Eloy Martínez del Valle, que se convertirá en la sede principal del MUPAC, que desde el pasado julio muestra su colección en el Mercado del Este.

El arqueólogo y también director de las cuevas prehistóricas de Cantabria, Roberto Ontañón, que acaba de ponerse al frente del Museo, será el encargado de capitanear un proyecto que espera ver culminado en 2016, según señala en una entrevista con Efe. La colección del MUPAC tiene una historia azarosa. Su director recuerda que las primeros hallazgos se exhibieron en el Palacio de Sobrellano en Comillas, hasta que en 1926 se inauguró un primer museo en el Instituto Santa Clara de Santander. En 1941 fue trasladada de nuevo, a los bajos de la entonces Diputación Provincial, donde permaneció hasta 2008, cuando el museo fue desmantelado y el edificio demolido para construir en su lugar una nueva sede para el Gobierno regional que se quedó en proyecto. Desde entonces las piezas estuvieron guardadas en un almacén, del que salieron el verano pasado para volver a ver la luz en el Mercado del Este. El actual MUPAC es el último museo de arqueología y prehistoria que se ha inaugurado en España y cuando su nueva sede sea una realidad, seguirá invitando al visitante a descubrir más sobre las forma de vida de sus antepasados y sobre el trabajo de arqueólogos e investigadores.

Según Ontañón, las dos sedes serán complementarias. La idea -explica- es dedicar la exposición permanente del Banco de España a los objetos decorados del Paleolítico Superior y su relación con las pinturas rupestres para que visitantes de cualquier parte del mundo entiendan cómo, cuándo y cómo nació el arte. Se pretende que sea además "la antesala" de una escapada a las cuevas con pinturas prehistóricas abiertas al público: Covalanas, El Castillo, Las Monedas, Hornos de la Peña, El Pendo, Chufín y Cullalvera (todas declaradas patrimonio de la humanidad, excepto la última). A menos de cinco minutos a pie está la exposición actual, que, como los yacimientos, tiene diferentes niveles, porque está pensada para que pueda ser disfrutada por todos los públicos, desde familias con niños hasta especialistas. Los objetos arqueológicos son el centro de una escenografía que ayuda a entender su contexto histórico de una forma didáctica, a través de pantallas interactivas, audiovisuales con algún guiño de parque temático y paneles para saber más.

El visitante puede comprobar cómo eran por dentro las cabañas de los antiguos cántabros o las villas romanas, pasar por debajo de un dolmen, asomarse a una cueva habitada, sorprenderse con el realismo del hombre del Magdaleniense con el que se topará en el recorrido o tratar de responder a los enigmas sin resolver que le plantea el museo. Y ver de cerca piezas que también son emblemas de la colección, como el caldero de Cabárceno o las tan famosas como misteriosas estelas, que aún plantean interrogantes sobre su finalidad e incluso sobre su cronología. Ontañón quiere hacer del MUPAC un museo vivo y en 2014 empezarán las primeras actividades: talleres para niños y más adelante para familias, encuentros con especialistas y arqueólogos para que den a conocer el resultado de sus campañas y exposiciones temporales temáticas, que ganarán en tamaño y ambición cuando disponga de sus dos sedes. El MUPAC abre así una nueva etapa de futuro en la que también se propone "dialogar" con el Museo de Altamira y con el Centro Botín, que se inaugurará el próximo verano a pocos minutos del Banco de España, los que separarán el arte último del primero, que aún sigue inspirando a los creadores de hoy.

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